Paradoxe : son état de santé l’empêche d’occuper le moindre poste, mais l’administration l’oblige à en chercher un. C’est sur cette contradiction que Ken Loach bâtit son film, Palme d’or 2016 à Cannes. Ce que le cinéaste met en scène n’est pas un accident administratif isolé. Il expose le fonctionnement ordinaire d’un État reconfiguré par trente ans de politiques néolibérales. L’ESA, introduite en 2008 pour remplacer l’Incapacity Benefit, jugé politiquement trop permissif, marque un tournant symbolique. Le changement de nom est programmatique : là où l’ancien dispositif reconnaissait une incapacité, le nouveau met l’accent sur le retour à l’emploi. Au

Pourtant, alors que la durée des longs-métrages s’allonge, notre attention se limite à des segments de quelques secondes. Les films conservent-ils encore une valeur cinématographique intrinsèque pour leurs spectateurs, ou ne sont-ils plus qu’une matière première à découper, remixer et partager ? Le cinéma connaît une mutation structurelle : l’œuvre totale s’efface au profit d’un « cinéma-échantillon », accessible à tous grâce aux réseaux sociaux. Cette liquéfaction des films transforme leurs récits en une succession de moments viraux. Les scènes, privées de leur contexte et de leur cohérence narrative, deviennent des vidéos courtes (15 à 90 secondes pour les Reels

Kingdom est un manga mettant en scène la Chine de l’Antiquité à un moment où l’unification chinoise n’est pas réalisée : une série de royaumes combattants se fait la guerre pour la conquête, l’unification ou la survie. Bien plus qu’un manga de guerre, Kingdom propose des réflexions sur la nature des conflits et confronte plusieurs approches qui cherchent à comprendre les relations internationales. À travers les luttes entre royaumes, Kingdom met en avant l’approche réaliste, héritière de penseurs comme Sun Tzu, Thucydide, Hobbes ou encore Machiavel. Selon les réalistes, l’espace international est anarchique : aucune autorité supérieure ne régule les

Si Piltover fonde son identité sur l’innovation scientifique, cette ambition échoue à créer une société égalitaire. Au contraire, la science devient le moteur d’une ségrégation violente, transformant le rêve utopique en instrument de pouvoir. Au visionnage, le monopole des élites sur les ressources de la ville n’est pas uniquement raconté à travers le scénario, mais aussi par la direction artistique. Empreinte d’une lumière solaire et de teintes dorées, l’esthétique de Piltover révèle visuellement une sélection monétaire. Le progrès n’est plus un bien commun, mais le privilège des classes dirigeantes. L’architecture même de la cité matérialise cette idéologie. La mise en

 La Première Guerre mondiale, qui frappe l’Europe au cœur du XXᵉ siècle, le pousse à penser à l’émergence d’une union européenne. Dès lors, il n’a de cesse de promouvoir une communauté de pensée, de la jeunesse européenne aux grandes nations, afin de guider les civilisations du Vieux Continent vers un possible salut. Il représente l’image d’un écrivain passionné par son travail et par les liens humains. Tout au long de sa vie, il côtoie les plus grands intellectuels européens de son temps : Mann, Rilke, Rolland et bien d’autres. Ses travaux témoignent d’un idéal de circulation des idées au-delà des

Depuis son émergence en 2016 avec son morceau Diles, l’artiste ne se contente pas d’enchaîner les succès commerciaux: il façonne une nouvelle identité culturelle latine. Artiste le plus streamé au monde, avec 19,8 milliards d’écoutes sur Spotify en 2025, il ne se réduit pas à des chiffres d’écoutes impressionnants mais incarne un véritable basculement historique pour l’avenir de la musique latine, longtemps considérée comme périphérique dans une industrie musicale dominée par l’anglais. Il puise ses racines dans le reggaeton, un genre né entre Jamaïque, Panama et Porto Rico, mais il va rapidement dépasser les codes traditionnels du genre, pour en

Personne ne peut échapper à l’idée que notre époque se définit par un système fondé sur la rationalisation excessive et la marchandisation, poussant chacun à consommer toujours plus, à s’emparer d’un excédent facile d’accès et destiné à la consommation… mais souvent factice pour l’homme. Cet argumentaire repose sur l’idée que l’objet n’est pas un médiateur stable pour comprendre le réel. L’individu s’intéresse davantage aux effets qu’il en retire qu’à l’objet lui-même. Les prémisses de cette problématique renvoient à l’analyse de Jean Baudrillard dans La société de consommation. Visionnaire ou messager, l’auteur alertait dès 1970, au paroxysme des Trente Glorieuses, sur

Aujourd’hui, la classification des arts dénombre dix catégories différentes. La peinture, incluse dans les « arts visuels », se situe au troisième rang tandis que la littérature appartient au cinquième art. Cette classification découle de la tradition antique, fondée sur des critères d’art utile et noble. Si la peinture tient sa légitimation du poète antique Horace, qui la compare à la poésie, sa position par rapport à la littérature dans l’Antiquité reste contestée. Ce n’est qu’à la Renaissance que les doctrines antiques donnant de la légitimité à la peinture refont surface. La doctrine horatienne, Ut Pictura Poesis erit (« comme

 Le personnage principal, Lee Chandler, homme à tout faire dans un appartement de Boston, est contraint de revenir dans sa ville natale de Manchester-by-the-Sea après le décès de son frère. Désigné comme gardien de son neveu Patrick, il met un terme soudain à son exil et doit affronter, par ce retour, les souvenirs traumatiques du drame qui l’avait jadis éloigné. Le film illustre la fonction thérapeutique de la communauté, le héros étant forcé, malgré lui, de renouer des liens avec ceux qu’il avait délaissés. « Nous sommes tous dans le même bateau », explique le réalisateur dans un entretien accordé

La première version de Michel Berger et Luc Plamondon rencontre un franc succès en 1979, marquant pour le chercheur Bernard Jeannot-Guérin une nouvelle ère de la comédie musicale française, caractérisée par le primat de « l’émotion musicale sur la narration linéaire ». Des chansons comme Quand on arrive en ville ou Le blues du businessman résonnent encore car elles ont été conçues comme des tubes, s’imbriquant dans des stratégies commerciales bien rodées : ce sont des « objets autonomes ». À l’époque, l’album sort six mois avant la première représentation, créant un engouement sans précédent et faisant du spectacle un